Im Oktober des Jahres 1918 erschien in der Zeitschrift Die neue Rundschau der Beitrag Das Problem des Portraits. Autor war der Soziologe Georg Simmel. Zentrales Thema waren die Herausforderungen, mit denen sich der Maler konfrontiert sieht. Mit der Fotografie befasste sich Simmel nur beiläufig. Sie war für ihn keine Ausdrucksform, die es mit den etablierten Künsten aufnehmen konnte. Diese hatten stets besondere Aufgaben. Vom Mittelalter bis zum Beginn der Renaissance wurde das Porträt überwiegend als Mittel der Funktionsdarstellung von Rollenträgern und deren Status eingesetzt. Erst in den Jahrhunderten der Individualisierung hat es durch Aufklärung, Romantik und bürgerliche Ich-Findung mehr und mehr den in der Neuzeit vertrauten Charakter angenommen. Wir wollen in einem Porträt etwas Persönliches erkennen. Dem Mittelalter war diese Sichtweise noch fremd.

Nach mehrjähriger Sanierung ist das Staatliche Museum Schwerin wieder für Besucher geöffnet. Zeitgemäße Technik und eine moderne Raumgestaltung in einem Bau aus den 1880er Jahren, nun besucherfreundlich und mit einem Blick auf das benachbarte Schloss: Das ist gelungen. Auf zwei Etagen werden Werke aus mehreren Jahrhunderten gezeigt. Oben stehen die Alten Meister im Vordergrund. Gemälde aus dem eigenen Bestand werden ergänzt durch Leihgaben aus dem Amsterdamer Rijksmuseum in Gestalt dreier Rembrandts. Die untere Etage ist der Moderne des 20. und des 21. Jahrhunderts vorbehalten. Neben Günther Uecker, Cornelia Schleime oder Wolfgang Mattheuer sind auch weniger bekannte Namen vertreten. Hinzu kommt an zentraler Stelle das Werk Flowers No. 7 von Hiroyuki Masuyama, eine riesige Fotoarbeit im Leuchtkasten, für die zahlreiche Blumen, über viele Jahre von ihm fotografiert, zu einer paradiesähnlichen Landschaft digital zusammenmontiert wurden. Und dann, ebenfalls im Untergeschoss, Marcel Duchamp.

Er war ein Universalkünstler. Auf ein begrenztes Genre lässt sich Raoul Hausmann (1886 – 1971) nicht festlegen. Gemälde, Fotografien, Literarisches und Collagen bilden Elemente seines Werkes. Als Dadasoph schuf er Ausdrucksformen, die bis heute prägend sind. Die Berlinische Galerie zeigt dies in einer großartigen Ausstellung mit über 200 Exponaten. In sieben Kapiteln werden Schwerpunkte seines Werkes präsentiert. Neben abstrakten Bildern, Collagen und Fotografien belegen dadaistische Wortschöpfungen, aber auch theoretische Schriften zu Optischem und Phonetischem die ganze Bandbreite seines Schaffens. Wahrnehmung war für Hausmann keine passive Angelegenheit, sondern Ausdruck einer aktiven Auseinandersetzung mit der Welt.

Die Sozialen Medien gleichen einem globalen Basar der Perspektiven. Hier tummeln sich nicht nur Meinungen, Affekte und Geschmacksurteile, sondern auch künstliche Intelligenzen, die täuschend echte Avatare generieren, überzeugende Texte verfassen und Bilder aus dem Nichts erschaffen, die keine reale Referenz mehr haben. Diese Erscheinungen, viele davon explizite Fakes, rufen das Bedürfnis nach einer Unterscheidung von Wahrheit und Unsinn mit einer nie dagewesenen Dringlichkeit hervor. Die intuitive Reaktion, nichts mehr zu glauben, sondern die Dinge sorgfältig zu prüfen, erscheint als einzig vernünftiger Rettungsanker in einem Ozean aus Simulationen. Der vorangegangene Blogbeitrag Ende des Bildvertrauens oder Beginn einer neuen Aufklärung? hatte sich bereits mit einem Teilaspekt der Thematik befasst. Hier einige zusätzliche Gedanken.

Soziale Medien wie Facebook, Instagram und TikTok sind geprägt von einer Flut synthetischer Inhalte. Fakes mit Anschein von Authentizität und Spontaneität reichen von der politischen Desinformation über unglaubliche Tiergeschichten bis hin zu vermeintlichen Promi-Neuigkeiten. Sie verschmelzen zu einer virtuellen Realität, die kaum noch von Bildern der anfassbaren Wirklichkeit zu unterscheiden ist. Die Folgen sind bei einigen Nutzern der Impuls zum Rückzug aus den Sozialen Medien, ein Gefühl der Überforderung und die Frage, warum man sich überhaupt noch der Mühe unterziehen soll, Wahrheit von Erfindung zu trennen. Es handelt sich bei diesen Phänomenen um Begleiterscheinungen des Fortschritts im Bereich der Generativen Künstlichen Intelligenz. Eine kulturpessimistische Interpretation würde allerdings die Chancen verkennen, die sich trotz allem in dieser Entwicklung auftun.

In wenigen Tagen wird in Berlin die Retrospektive Diane Arbus: Konstellationen eröffnet. Vom 16.10.2025 bis zum 18.01.2026 bietet sich im Gropius Bau die Gelegenheit zur Auseinandersetzung mit dem Werk einer der großen Fotografinnen des Zwanzigsten Jahrhunderts. Angekündigt sind 454 Fotografien, einige davon erstmals im Rahmen einer öffentlichen Präsentation. Es handelt sich, so der Veranstalter, um die bislang umfassendste Ausstellung des Werkes von Diane Arbus (1923 – 1971). Die Feuilletons werden das Ganze wohl in den kommenden Tagen umfangreich würdigen. Grund genug, vorab schon einmal an die bisherige Rezeption des Werkes zu erinnern.

Die Staatlichen Kunstsammlungen Dresden sowie das Museum Folkwang in Essen bieten anlässlich des siebzigsten Geburtstages von William Kentridge in parallelen Ausstellungen mit dem gemeinsamen Titel Listen to the Echo einen grandiosen Überblick über das Werk und die Arbeitsweise des südafrikanischen Künstlers. Großartige, mehrkanalige Videoinstallationen, Skulpturen, Kohlezeichnungen und Objekte, Druckgrafiken sowie performative Konzeptionen für die Bühne vereinen sich zu einem universellen Kunstverständnis, das gleichsam Phantastisches wie Politisches enthält. Einen Schwerpunkt stellt die wechselvolle Geschichte seines Heimatlandes und dessen koloniale Vergangenheit dar. Kentridges Eltern waren Anwälte von Nelson Mandela.

Allen Freundinnen und Freunden der klassischen analogen Reportagefotografie unbedingt zu empfehlen und ein Beleg dafür, dass überzeugende Fotografie keine digitale Hyperperfektion benötigt: Die vorzügliche Ausstellung Dirk Reinartz. Fotografieren, was ist in der Kunsthalle Erfurt. Schwarzweißaufnahmen in kleineren Formaten und einige Farbserien bezeugen das Können eines Fotografen, der sein Handwerk gelernt hat und dies sowohl bei Auftragsarbeiten wie auch in eigenen Projekten umsetzte. Einen besonderen Schwerpunkt bildete die Suche nach der deutschen Identität mit ihren historischen Brüchen und Widersprüchen. So befasste sich Reinartz in fotografischen Erzählungen mit dem Leben in beiden deutschen Staaten sowie den Herausforderungen nach dem Fall der Mauer. Aber er war auch weltweit unterwegs. Seine Bildsprache war stilprägend für einen essayistisch angelegten Fotojournalismus, dem es mehr um Empathie und Typisches ging als um die schnelle Sensation.

Fotografie findet nicht im luftleeren Raum statt, sondern stets in einem sozialen Kontext. Was wir Bildrealität nennen, ist ein erlerntes Kulturprodukt und damit potentiell kontingent. Zwar hat die globalisierte Angleichung von Lebensformen dazu geführt, dass viele Alltagsszenen weltweit verstanden werden, es bleibt jedoch ein möglicher Rest von Fremdheit. Riten und Gebräuche, die uns selbst nicht vertraut sind oder die wir als solche vielleicht gar nicht erkennen, können das adäquate Verständnis eines Bildes einschränken. Ob eine Fotografie wahrhaftig ist, kann deshalb von einem Fremden, an anderen Orten sind übrigens wir die Fremden, mitunter kaum beurteilt werden. Alltagsszenen werden vor allem im eigenem Kulturkontext verstanden.

Die fotografische Sammlung des Museum of Modern Art in New York gilt als einzigartig. Einige Ausstellungen wurden selbst zu Meilensteinen der Fotografiegeschichte. Neben The Family of Man (1955) zählt hierzu New Documents aus dem Jahr 1967 mit nicht einmal hundert Schwarzweißfotografien. Einen Katalog gab es damals nicht. Erst fünfzig Jahre später wurde vom MoMA eine Dokumentation zusammengestellt und mit Begleittexten als Buch veröffentlicht. Es vermittelt einen Eindruck davon, warum die Ausstellung eine geradezu paradigmatische Bedeutung für die zeitgenössische Fotografie bekam.