Die Annahme, dass ab 1933 mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten ein radikaler Bruch in der deutschen Designgeschichte stattfand, lässt sich nicht ohne Einschränkung aufrechterhalten, denn es gab zwischen der Formensprache des Bauhauses sowie der Neuen Sachlichkeit der 1920er Jahre einerseits und der Gestaltung von Gebrauchsgütern im Dritten Reich auf der anderen Seite durchaus einige Parallelen. Die Verbindungslinie verlief dabei nicht über Ideologien, sondern über Gestaltungsprinzipien, Produktionslogiken und funktionale Anforderungen. Erkennbar sind formale Kontinuitäten bei gleichzeitiger ideologischer Diskontinuität.

Im Moment des Fotografierens herrscht eine gewisse Ruhe. Diese hat nichts mit der Abwesenheit von Geräuschen zu tun, sondern mit der vorrangigen Präsenz des Visuellen. Wenn die Kamera einen bestimmten Augenblick inmitten der Bewegungen erfasst, tritt man aus der Zeit heraus. Die Welt reduziert sich auf Licht, Schatten, Linien oder den flüchtigen Ausdruck eines Gesichts. Wir wissen jedoch nicht immer, was uns da eigentlich gerade angezogen hat. Und warum lässt sich der Moment der Betätigung des Auslösers so schwer in Worte fassen? Eine mögliche Antwort liegt in der Natur beider Zustände. Fotografieren ist ein Akt der Bejahung. Das ist so gewesen, schrieb Roland Barthes. Die Kamera fragt nicht nach dem Warum, sie konstatiert das Geschehen. Schreiben hingegen ist ein Akt der Dekonstruktion und des Nachdenkens. Zwei unterschiedliche Vorgänge. Man kann nicht im Alltag der Wirklichkeit den perfekten Winkel suchen und gleichzeitig die Bedeutung der Dinge analysieren.

An der Wand eine Fotografie. Ein schweigendes Bild. Und auf dem Tisch ein Band mit Gedichten. Auch diese schweigen. Aber hier ist es eine Stille, die darauf wartet, durch Sprache oder auch nur im Kopf des Lesers zum Laut zu werden. Fotografie und Poesie scheinen verschiedenen Welten anzugehören. Hier die Optik als mechanisches Auge, dazu der unbestechliche Sensor, der das Licht verarbeitet. Dort der Rhythmus, die Metapher, die subjektive Sprache, die aus Gedanken schöpft. Doch je länger man beide betrachtet, desto mehr beginnen die Grenzen zu verschwimmen. Fotografie und Poesie wollen die Dinge bannen und rebellieren gegen das Vergehen.

Im Oktober des Jahres 1918 erschien in der Zeitschrift Die neue Rundschau der Beitrag Das Problem des Portraits. Autor war der Soziologe Georg Simmel. Zentrales Thema waren die Herausforderungen, mit denen sich der Maler konfrontiert sieht. Mit der Fotografie befasste sich Simmel nur beiläufig. Sie war für ihn keine Ausdrucksform, die es mit den etablierten Künsten aufnehmen konnte. Diese hatten stets besondere Aufgaben. Vom Mittelalter bis zum Beginn der Renaissance wurde das Porträt überwiegend als Mittel der Funktionsdarstellung von Rollenträgern und deren Status eingesetzt. Erst in den Jahrhunderten der Individualisierung hat es durch Aufklärung, Romantik und bürgerliche Ich-Findung mehr und mehr den in der Neuzeit vertrauten Charakter angenommen. Wir wollen in einem Porträt etwas Persönliches erkennen. Dem Mittelalter war diese Sichtweise noch fremd.

Nach mehrjähriger Sanierung ist das Staatliche Museum Schwerin wieder für Besucher geöffnet. Zeitgemäße Technik und eine moderne Raumgestaltung in einem Bau aus den 1880er Jahren, nun besucherfreundlich und mit einem Blick auf das benachbarte Schloss: Das ist gelungen. Auf zwei Etagen werden Werke aus mehreren Jahrhunderten gezeigt. Oben stehen die Alten Meister im Vordergrund. Gemälde aus dem eigenen Bestand werden ergänzt durch Leihgaben aus dem Amsterdamer Rijksmuseum in Gestalt dreier Rembrandts. Die untere Etage ist der Moderne des 20. und des 21. Jahrhunderts vorbehalten. Neben Günther Uecker, Cornelia Schleime oder Wolfgang Mattheuer sind auch weniger bekannte Namen vertreten. Hinzu kommt an zentraler Stelle das Werk Flowers No. 7 von Hiroyuki Masuyama, eine riesige Fotoarbeit im Leuchtkasten, für die zahlreiche Blumen, über viele Jahre von ihm fotografiert, zu einer paradiesähnlichen Landschaft digital zusammenmontiert wurden. Und dann, ebenfalls im Untergeschoss, Marcel Duchamp.

Er war ein Universalkünstler. Auf ein begrenztes Genre lässt sich Raoul Hausmann (1886 – 1971) nicht festlegen. Gemälde, Fotografien, Literarisches und Collagen bilden Elemente seines Werkes. Als Dadasoph schuf er Ausdrucksformen, die bis heute prägend sind. Die Berlinische Galerie zeigt dies in einer großartigen Ausstellung mit über 200 Exponaten. In sieben Kapiteln werden Schwerpunkte seines Werkes präsentiert. Neben abstrakten Bildern, Collagen und Fotografien belegen dadaistische Wortschöpfungen, aber auch theoretische Schriften zu Optischem und Phonetischem die ganze Bandbreite seines Schaffens. Wahrnehmung war für Hausmann keine passive Angelegenheit, sondern Ausdruck einer aktiven Auseinandersetzung mit der Welt.

Die Sozialen Medien gleichen einem globalen Basar der Perspektiven. Hier tummeln sich nicht nur Meinungen, Affekte und Geschmacksurteile, sondern auch künstliche Intelligenzen, die täuschend echte Avatare generieren, überzeugende Texte verfassen und Bilder aus dem Nichts erschaffen, die keine reale Referenz mehr haben. Diese Erscheinungen, viele davon explizite Fakes, rufen das Bedürfnis nach einer Unterscheidung von Wahrheit und Unsinn mit einer nie dagewesenen Dringlichkeit hervor. Die intuitive Reaktion, nichts mehr zu glauben, sondern die Dinge sorgfältig zu prüfen, erscheint als einzig vernünftiger Rettungsanker in einem Ozean aus Simulationen. Der vorangegangene Blogbeitrag Ende des Bildvertrauens oder Beginn einer neuen Aufklärung? hatte sich bereits mit einem Teilaspekt der Thematik befasst. Hier einige zusätzliche Gedanken.

Soziale Medien wie Facebook, Instagram und TikTok sind geprägt von einer Flut synthetischer Inhalte. Fakes mit Anschein von Authentizität und Spontaneität reichen von der politischen Desinformation über unglaubliche Tiergeschichten bis hin zu vermeintlichen Promi-Neuigkeiten. Sie verschmelzen zu einer virtuellen Realität, die kaum noch von Bildern der anfassbaren Wirklichkeit zu unterscheiden ist. Die Folgen sind bei einigen Nutzern der Impuls zum Rückzug aus den Sozialen Medien, ein Gefühl der Überforderung und die Frage, warum man sich überhaupt noch der Mühe unterziehen soll, Wahrheit von Erfindung zu trennen. Es handelt sich bei diesen Phänomenen um Begleiterscheinungen des Fortschritts im Bereich der Generativen Künstlichen Intelligenz. Eine kulturpessimistische Interpretation würde allerdings die Chancen verkennen, die sich trotz allem in dieser Entwicklung auftun.

In wenigen Tagen wird in Berlin die Retrospektive Diane Arbus: Konstellationen eröffnet. Vom 16.10.2025 bis zum 18.01.2026 bietet sich im Gropius Bau die Gelegenheit zur Auseinandersetzung mit dem Werk einer der großen Fotografinnen des Zwanzigsten Jahrhunderts. Angekündigt sind 454 Fotografien, einige davon erstmals im Rahmen einer öffentlichen Präsentation. Es handelt sich, so der Veranstalter, um die bislang umfassendste Ausstellung des Werkes von Diane Arbus (1923 – 1971). Die Feuilletons werden das Ganze wohl in den kommenden Tagen umfangreich würdigen. Grund genug, vorab schon einmal an die bisherige Rezeption des Werkes zu erinnern.